Waterhouse: Un pintor simbólico del siglo XIX

Después de casi dos años vuelvo a intentar seguir este proyecto que empecé con ilusión y que dejé con pesar. El tiempo no siempre está a nuestro favor, y aunque tras dos años, las circunstancias y los hechos te pueden cambiar, creo que aun queda parte de la persona que comenzó a escribir aquí sobre esas cosas que le apasionaban y que ocupaban su tiempo y que ahora se han convertido en un recuerdo, en un intento de, en nada. Así pues, prometo volver a encontrarme y creo que este lugar me puede ayudar recordándome quien soy y que me llena: el arte, la literatura, la historia, la filosofía. Esas cosas que ahora no parecen tener importancia frente a las ciencias como la ingeniería, la medicina, la física, etc. 

Siempre debe quedar lugar para el saber y la cultura. Re-inauguro el blog con un pintor del siglo XIX que no es demasiado conocido a pesar de que sus pinturas son realmente extraordinarias. 

John William Waterhouse

Nació entre enero y abril de 1849 y murió el 10 de febrero 1917. Fue un pintor inglés conocido por trabajar el estilo  pre-rafaelita. Su trabajo se enmarca varias décadas después de la ruptura del pre-rafaelismo,  que había tenido su apogeo en la segunda mitad del siglo XIX, lo que hizo que se ganase el apodo de "el Pre-Rafaelita moderno".  Sin embargo en sus pinturas podemos encontrar influencias tanto del anterior estilo, el pre-rafaelismo, como del estilo de sus contemporáneos, los impresionistas.  Sus obras son conocidos por sus pinturas de mujeres así como de la antigua mitología griega y la leyenda del rey Arturo .

Nacido en Italia de padres ingleses (también pintores), más tarde se trasladó a Londres, donde se matriculó en la Academia Real de Arte . Pronto comenzó a presentar sus pinturas en exposiciones anuales de verano, centrándose sobretodo en la creación de obras de gran lienzo que representaban escenas de la vida cotidiana y la mitología de la antigua Grecia. Más tarde en su carrera llegó a abrazar el estilo del pre-rafaelismo de la pintura a pesar de que había pasado de  moda en la escena artística británica varias décadas antes.

Una de las pinturas más famosas de Waterhouse es la Dama de Shalott , un estudio de Elaine de Astolat, que muere de pena porque Lancelot no la ama. En realidad pintó tres versiones diferentes de este personaje, en 1888, 1894 y 1916.

Otro de los temas favoritos de Waterhouse fue Ofelia , la más famosa de las pinturas de Ofelia las presentó justo antes de su muerte, poniendo flores en el pelo mientras se sienta en una rama de un árbol inclinado sobre un lago. Al igual que La Dama de Shalott y otras pinturas de Waterhouse, trata de una mujer antes de morir en o cerca del agua. También puede haberse inspirado en las pinturas de Ofelia de Dante Gabriel Rossetti y Millais. Presentó su pintura Ophelia de 1888 con el fin de recibir su diploma de la Real Academia. (En un principio se había querido presentar una pintura titulada "Una sirena", pero no la terminó a tiempo.) Después de esto, la pintura se perdió hasta el siglo 20, y ahora se exhibe en la colección de Lord Lloyd-Webber. Waterhouse pintaría Ofelia de nuevo en 1894 y 1909 o 1910, y planeaba otro cuadro de la serie, llamada "Ofelia en el cementerio".

Waterhouse no pudo terminar la serie de pinturas de Ofelia porque estaba gravemente enfermo de cáncer en 1915. Murió dos años más tarde, y su tumba se encuentra en Kensal Green Cemetery en Londres.

Con un estilo fino y misterioso, claramente romántico, a este pintor se le encuadra en el movimiento nacido a partir de la poesía del francés Charles Baudelaire, el llamado simbolismo. Pictóricamente se puede destacar el uso de colores fuertes para remarcar el sentido onírico de lo sobrenatural, la temática romántica de lo antiguo e irracional, y el deseo de crear una pintura no supeditada a la realidad, en donde cada símbolo tiene una concreción propia en la aportación subjetiva del espectador y del pintor.

Espero que os guste Waterhouse a todos y os dejéis fascinar por el simbolismo y lo misterioso de sus pinturas repletas de historias. 

Velázquez. "El pintor de la verdad"

Hoy quería dedicarle mi tiempo a Velázquez, un pintor barroco español por cuya obra siento una gran admiración, admiración que deseo compartir con todos vosotros. Velázquez  Velázquez es un pintor excepcional. El pintor más sobresaliente de la pintura española. Nace en Sevilla y fue aprendiz del pintor Pacheco. En 1617 ya era maestro pintor y pinta con maestría técnica y gran personalidad. En sus primeras obras su estilo es naturalista, las figuras religiosas son retratos más que tipos ideales y la luz tiene ya una cualidad misteriosa. Su pincelada es densa pero ágil.  En 1623 fue llamado a Madrid por el conde-duque de Olivares, sevillano como él. Felipe IV quedó prendado del artista y le nombró pintor de corte a la edad de veinticuatro años convirtiéndose en el más prestigioso pintor del país. Nunca perdió la admiración del rey. A partir de entonces abandonó el tema del bodegón y aunque pintó temas religiosos y mitológicos e históricos, se convirtió esencialmente en retratista en cuya tarea humanizó la tradición del retrato de corte tradicional, dotando a sus modelos de vida y carácterización psicológica.  En 1628 conoció a Rubens y al año siguiente viajó a Roma, hasta 1631. Su pincelada es ahora más suelta, por influencia de los grandes maestros que conoce en este viaje y se nota maduración en la composición de sus cuadros. Está dentro de la tradición barroca pero sin ampulosidad ni embellecimientos alegóricos. En sus últimos años en Madrid siguió siendo objeto de honores y alcanzó nuevas metas como pintor. Su pincel es brillante y libre, es un hábil colorista. Subordina el detalle al efecto de conjunto. Pinta la atmósfera con una viveza sin precedentes. Todo esto culmina en su obra más famosa, Las Meninas. Murió de regreso de las islas de los Faisanes, donde había ido acompañando al monarca en su encuentro con el rey de Francia Luis XIV. Según los expertos produjo la mayor cantidad de obras maestras de la historia del arte. Su obra se muestra destacada en los más prestigiosos museos de todo el mundo. Fue llamado "el pintor de la verdad" o "el pintor del aire".  Obra: Vieja friendo huevos Etapa Sevillana  "Supone una conmoción ante la pobreza, con una composición complicada" El triunfo de Baco Primera Etapa Madrileña "También conocido como "Los Borrachos". El realismo aquí es extremo: adapta la mitología a su siglo, y la interpreta a su modo. Hay nuevos tonos, estabilidad en cuanto a la composición, monumentalidad y firmeza de las figuras..." La fragua de Vulcano Primer Viaje a Italia  "Representa en momento en que Apolo -deslumbrante- desciende del Olimpo a la mansión de Vulcano (representado en la fragua de un herrero) para informar a éste de la infidelidad de su esposa. Destaca la expresión de sorpresa e indignación en Vulcano y sus compañeros, queriendo resaltar un choque psicológico. Coloca huecos luminosos, y tres planos iluminados: una sombreado, otro muy luminoso y otro en semioscuridad." Las lanzas o La rendición de Breda. Segunda Etapa Madrileña "En este cuadro capta los efectos atmosféricos en la lejanía, alcanzando gran protagonismo la luz y el color. Se inspira en la comedia de Calderón "El sitio de Breda". Resalta la hidalguía del vencedor, evitando la humillación del vencido. Quiere escenificar algo alegórico: la concordia. Es además un gran ejemplo de composición" La venus del Espejo Segundo Viaje a Italia "Esta es una de mis obras preferidas de Velázquez, es de gran sensualidad, aportando sencillez y armonía en la composición. Los expertos suponen que la pintó en su segundo viaje a Italia ya que se trata de un desnudo, tema tan abundante allí, aunque en España no estaban prohibidos. El espejo permite la doble imagen, muy del gusto barroco. Dicen algunos historiadores del arte y expertos que según la posición del espejo, Venus no se podría reflejar en él. Se deja ver la influencia de Tiziano y Rubens." Las Meninas Período Final "Es su obra más famosa, conocida y estudiada. Hablar de Velázquez sin mencionar las Meninas es como estudiar el Renacimiento sin dar a Miguel Ángel. Podríamos dedicarle cientos de entradas en un blog a esta obra y quedarnos aun así cortos. Esta cargada de teorías, suposiciones y enigma. Por ello, no diré nada de ella, y si cabe, le dedicaré un día a este gran compendio de la pintura barroca." Las Hilanderas o La fábula de Aracne Período Final " Es sin duda mi obra preferida de Velázquez y una de mis preferidas de todo el Arte. Se descubrió tarde que era una obra de carácter mitológico basada en las Metamorfosis de Ovidio. Siempre se había considerado una obra de género, una exaltación del trabajo, una escena de taller. Sin embargo la escena narra la historia de Aracne, una joven que pregonaba ser mejor tejedora que Minerva y la desafía convocándola a un concurso. Minerva (Atenea), ofendida baja del Olimpo y acepta el reto. Tejen ambas tapices hermosos durante un día. Aracne representó las infidelidades de los Dioses del Olimpo y Minerva enojada rompió el tapiz y convirtió a Aracne en araña, para que siempre hiciera lo que más le gustaba hacer: tejer. Así Velázquez sitúa la competición en primer plano y el castigo en el segundo,    representado en un tapiz, que es la clave de la obra" Espero que hayáis disfrutado con Velázquez tanto como yo, aunque sólo sea un diminuto resumen.